Co dzieje się w przypadku dramatów kryminalnych? Czy to osoby osobowości, które oglądamy, rozwiązują te sprawy? Nie wszyscy są suchymi, uważnymi typami, którzy nie mogą wnieść odrobiny talentu do postępowania - choć zawsze trzeba mieć pewność, że praca zakończy się sukcesem. A może to z natury charakter samych dochodzeń? Każdy z nich będzie miał kilka zwrotów akcji, zwłaszcza w popularnych narracjach. Jesteśmy uwikłani w każdy nowy trop, czerwony śledź i prawdopodobnie nowe ofiary, i mam nadzieję, że wszystko to prowadzi do satysfakcjonującego wniosku.
Od zadymionych salonów filmowych noir z lat 40. po tajemnice morderstwa, zarówno faktyczne, jak i fikcyjne, wiele kryminałów odcisnęło piętno na kinie. Niezależnie od tego, czy jest to charyzmatyczny trop, kręta narracja, czy jedno i drugie, te 20 funkcji to tylko niewielki ułamek tego wspaniałego gatunku, choć reprezentują najlepsze z najlepszych. Oto Screen Rant w 20 najlepszych kryminałach wszechczasów.
20 The Girl with the Dragon Tattoo (2011)
Niewiele kryminałów jest tak brutalnie nienormalnych jak „Dziewczyna z tatuażem smoka” Stiega Larssona iz tego powodu być może bardziej niż właściwe było, by David Fincher sterował angielską adaptacją. Materiał dostarczony Fincherowi jest ponury, co z pewnością nie jest mu obce, a wizja, którą zapewnił w poprzednich wysiłkach (którą wkrótce zobaczymy) odpowiednio pasuje do tonu powieści i jej scenariusza.
Oczywiście dość łatwo jest zauważyć niezwykle zaangażowany portret Rooney Mara badacza Lisbeth Salander, który przebija typową ponurą atmosferę Finchera. Być może jednak najbardziej wyróżnia się energiczne tempo Finchera. Jego film może trwać nieco ponad dwie i pół godziny, ale wydaje się, że reżyseria większości kryminałów jest bardziej pewna i prowadzona naukowo. W tym przypadku Fincher zręcznie prowadzi odbiorców przez krętą narrację opowieści wystarczająco szybko, aby zapewnić im rozrywkę, a jednocześnie zachować powściągliwość w odniesieniu do kluczowych szczegółów.
19 Dirty Harry (1971)
Jeśli się nad tym zastanowić, nie ma wielu dostrzegalnych cech, które oddzielają Harry'ego Callahana Clinta Eastwooda od jego „Człowieka bez imienia” w trylogii Sergio Leone'a Dollars; po prostu wymień strój westernowy i zwykły sześciostrzałowy garnitur i magnum.44, które mogą oderwać ci głowę. Nawet w ostatniej strzelaninie ze Skorpionem zrujnowane budowle i pustynne góry są uderzająco podobne do miejsc, które Eastwood znał w połowie lat 60.
Niemniej Dirty Harry Eastwooda jest doskonałym stoickim twardym facetem; to rutyna, ale nic nie jest na pokaz, a jego niekonwencjonalne metody są autentyczne. Eastwood gra go po prostu, a jego zachowanie i maniery są proste, a jednak postać pozostaje uderzająco enigmatyczna. Nic dziwnego, że film stał się franczyzą, odradzając cztery kolejne części z ponad dwudziestu lat. Jedynym niefortunnym aspektem historii filmu była epidemia błędnych cytatów.
18 The Thin Man (1934)
Na liście zmieszanej z archetypowymi i niekonwencjonalnymi osobowościami ci dwaj detektywi Charles, Nick (William Powell) i Nora (Myrna Loy) znajdują się na granicy obu. Z jednej strony oboje, zwłaszcza Nick, pokazują, jak charyzmatyczny aktor z Hollywood ma się zaprezentować. Podobnie jak wielu innych aktorów swojej epoki, Charles Powella jest spokojny, opanowany, opanowany i niesie ze sobą cichy autorytet, który można podnieść na wyższy poziom - w razie potrzeby stać się fizyczny. Z drugiej strony, ci dwaj są wystarczająco dowcipni i dowcipni, aby zdradzić te konwencje i stanąć samodzielnie. Poza tym są zwyczajnymi pijakami, ale ponieważ był to Hays Code Hollywood, wygląda elegancko.
Decydującym momentem dla każdej tajemnicy morderstwa jest wielkie odkrycie, a kulminacyjna scena przyjęcia na kolację w The Thin Man ma napiętą, powolną budowę do ujawnienia tożsamości prawdziwego zabójcy. Podejrzani tłoczą się przy stole, a kamera porusza się między nimi a Nickiem, gdy zwięźle przebiega przez zdarzenia implikujące wszystkie z nich. Każdy może być prawdziwym zabójcą, a kiedy ujawnienie zostanie dokonane, jest najbardziej satysfakcjonujące.
17 Bezsenność (2002)
Christopher Nola zyskał reputację dzięki swojej wyjątkowej wizji, zwłaszcza w odniesieniu do swoich projektów poza trylogią Mrocznego rycerza. Z tego powodu dołącza do Davida Finchera jako reżyser z wieloma filmami na tej liście, a zaczyna się od filmu, który przyniósł mu Batman Begins: Bezsenność.
Wiele filmów z tej listy wyróżnia się w ten czy inny sposób, ale Bezsenność jest szczególnie wyjątkowa pod jednym względem. Jak zobaczymy, nie oddziela się od reszty tylko ze względu na swój psychologiczny charakter - nawet jeśli większość innych filmów tutaj nie może pochwalić się takimi cechami - ale raczej z powodu moralnej dwuznaczności bohaterki. Biorąc pod uwagę niektórych innych detektywów tu zawartych, detektyw Will Dormer (Al Pacino) nie jest świętym, nawet jeśli jego postać znajdzie odkupienie w aktach końcowych. Mimo to, desperacko pragniemy, aby znalazł drogę z powrotem do prawej strony prawa dzięki silnemu występowi Robina Williamsa jako Waltera Fincha, głównego antagonisty.
16 Who Framed Roger Rabbit (1988)
Roger Rabbit jest potencjalnie jednym z ostatnich fikcyjnych ssaków mówiących, że ktokolwiek spodziewałby się umyślnie popełnić przestępstwo, a jednak znalazł się w centrum opowieści o „chciwości, seksie i morderstwie”, jak to ujął Eddie Valiant (Bob Hoskins). Dzięki Who Framed Roger Rabbit reżyser Robert Zemekis i firma stworzyli innowacyjne połączenie akcji na żywo i animacji, które dały widzom namacalny świat dla ich ulubionych postaci, w tym Myszki Miki i Królika Bugs. Jednak, żeby być uczciwym, film jest o wiele bardziej inteligentny niż film o postaci animowanej wrobionej w morderstwo.
Ważniejszy niż jakikolwiek ściemnianie jest łuk postaci z udziałem Valiant. Hoskins daje niesamowitą wydajność gry, biorąc pod uwagę, że większość jego dialogu mówi się o czymś, czego nie ma, w wyniku czego wątek pomszczenia morderstwa jego brata z rąk sadystycznego Toona jest o wiele bardziej wpływowy. Biorąc to pod uwagę, równie godne pochwały jest zaangażowanie filmu w ciemne, a nawet niepokojące momenty wyrażania dojrzałości, biorąc pod uwagę jego zamiar jako filmu rodzinnego.
15 Kiss Kiss Bang Bang (2005)
Ostatnio Shane Black wykorzystał osobliwą historię Hollywood w latach siedemdziesiątych jako część narracji w The Nice Guys, ale wraz z Kiss Kiss Bang Bang całkowicie niszczy konwencjonalną kulturę filmową i przemysł filmowy - zapewniając przy tym przyzwoitą tajemnicę. Dużo uwagi skupia się tutaj na komedii, gdy Harry (Robert Downey, Jr.) i Perry (Val Kilmer) bawią się nawzajem dziwaczną dziwactwem, co czyni z nich uroczą dziwną parę.
Chociaż niektóre estetyki i tematy nie mogą uciec od satyrycznego pióra Blacka, jego list miłosny nabiera filmu noir jest raczej pastiszem niż parodią, a jego uczucie promieniuje autentycznym rozmachem. Czasem zimne, stalowe niebieskie wizualizacje są interesującym, przyciągającym wzrok podejściem, które można by interpretować jako cyniczną atmosferę w filmie noir, dzięki czemu konwencje są modernizowane. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli podobało ci się The Nice Guys, Kiss Kiss Bang Bang będzie wart twojego czasu.
14 Zodiak (2007)
Tożsamość zabójcy zodiaku jest jedną z największych, najbardziej nawiedzających tajemnic Ameryki, podobnie jak tożsamość Jacka Rozpruwacza dla Anglii. Zodiak Davida Finchera, podobny do filmu z piekła rodem z drugiej strony, wydaje się mieć własne wyobrażenia o tym, kto był winowajcą, nawet jeśli sprawa nigdy nie zostanie w pełni rozwiązana. Pomijając spekulacje, Fincher może pomóc w zakręceniu dobrą przędzą, a dzięki scenariuszowi Jamesa Vanderbilta opartemu na książce Roberta Graysmitha o tym samym tytule Zodiac jest kolejnym jego filmem na tej liście.
Napięcie w filmie jest często zaniżone, szczególnie gdy zabójca zodiaku nie próbuje ujawnić swojej obecności. Ale kiedy jego można zobaczyć i usłyszeć na ekranie, napięcie wzrasta w nie do zniesienia. Jakby nie można było bardziej zanurzyć się w tym trąbie powietrznej, projekt produkcji jest niesamowity, a grafika zawiera nieco przesyconą jakość, która poprawia wrażenie czasu.
13 Cegła (2005)
Niezależna gwiazdka Rian Johnson, Brick, jest jednym z tych filmów, które wydają się snem. Nie jest to marzenie wizualne, ale poprzez dialog, charakterystykę i wydarzenia, które mają miejsce. Dla tych, którzy wyobrażają sobie siebie jako detektywa Humphreya Bogarta, Brendan Frye (Joseph Gordon-Levitt) wciela się w coś, co można określić jedynie jako fantastyczny światopogląd Johnsona w ramach konwencji neo-noir. To list miłosny, który cechuje zmienność każdej klasyki.
Przeważnie jednak wszystko to dzięki spokojnemu, pewnemu występowi Gordona-Levitta jako mało prawdopodobnego bohatera. To, czego brakuje mu nad sprawami, nadrabia pewnością siebie i wytrwałością. Podczas scen, takich jak jego pierwsza interakcja z Dode (Noah Segan), a nawet spotkania z zastępcą głównego zastępcy Truemana (Richard Roundtree), natychmiast przyciąga twoją uwagę ze zdecydowanym przekonaniem. Są też takie momenty, jak egzekucja Dodego i obrzydliwa reakcja Brendana na to, i chociaż wydaje się, że rzeczywistość weszła w krąg, wciąż wychodzi z drugiej strony tej samej fantazji.
12 LA Poufne (1997)
Film noir nie potrzebuje słabo oświetlonej, zadymionej atmosfery nawiązującej do wcześniejszych lub spokojnych chłodnych detektywów wchodzących w obskurne podbrzusze społeczeństwa. Jak przypomniało nam LA Confidential prawie dwie dekady temu, brutalność może być odznaczona, a przemoc może mieć żywiołowy cios. Ponadto, dzięki gatunkowi, który dał nam twarde oczy prywatnych, takich jak Jack Nicholson w Chinatown lub dowolna z podobnych postaci Humphrey'a Bogarta w latach 40., odświeżające jest oglądanie fascynującego zespołu tagów w postaci Guy Pearce i Russella Crowe, zarówno z których były stosunkowo nieznane w momencie wydania.
Jak wiele wspaniałych kryminałów, fabuła jest złożona i pełna bocznych narracji i kolorowych postaci, i chociaż materiał LA Confidential jest dość wszechstronny, pozostaje hipnotyzujący w przedstawianiu korupcji przez policję. W dzisiejszych czasach publiczność może nawet uznać swoje obrazy rasizmu systemowego i ogólnych uprzedzeń w systemie wymiaru sprawiedliwości za dokładnie odzwierciedlające obecne problemy.
11 The Third Man (1949)
Wielką pochwałę, którą wielu dało Carol Reedowi „Trzeci człowiek”, to jego nastrojowe zdjęcia. Jak to możliwe, że nie mogło być tak na tle wspaniałego Wiednia? Powojenny Wiedeń wydaje się być właściwym momentem dla szklanej na wpół pustej mentalności wypełniającej cały film noir. Zakres jest ambitny i tak wielki jak lokalizacja, ale film Reeda nie zawsze jest klimatyczny w tradycyjnym sensie filmu noir. Autor zdjęć Robert Krasker często wykorzystuje dramatyczne i pochylone kąty, aby zapewnić poczucie niepokoju podobne do czegoś bardziej standardowego z tego gatunku.
Oprócz niektórych wybitnych występów większości obsady, w tym Josepha Cottona, Orsona Wellesa i Alidy Valli, wynik Antona Karasa jest z pewnością czymś osobliwym. Na pierwszy rzut oka jego dudniąca gitara akustyczna wydaje się nie pasować do momentów napięcia, które należy zaakcentować, ale skutecznie pomaga przytłaczającemu tonowi filmu, zadając pytania widzowi.
10 Chinatown (1974)
Wydaje się, że bardziej zmodernizowane interpretacje filmu noir - w tym przypadku wszystko od ery Nowego Hollywood do współczesności - stawały się coraz bardziej nieprzyjemne w miarę upływu czasu, a ograniczenia tego, co można było, a czego nie można było pokazać na filmie, złagodzono. Chinatown może nie być tak brutalnie brutalne, jak te, które nastąpią, ale nie musiało tak być. Większość wszystkiego w filmie krzyczy nieprzyjemność, która z pewnością jest daleka od cynicznej.
Spora część pochodzi z portretu Jacka Nicholsona, prywatnego detektywa Jake'a Gittesa, który okazuje się chłodną kalkulacją Eda Exleya Guy'a Pearce'a w LA Confidential oraz odsłoniętą wersją złośliwej serii Russella Crowe z jego Buda White'a w tym samym filmie. Ale większość nieprzyjemności przypisywana jest tematyce kazirodztwa, coś, o czym era Hollywood Hays Code miałaby trochę trudności w dyskutowaniu - większość nie odważyłaby się dotknąć kończącego się reżysera Romana Polańskiego.
9 In the Heat of the Night (1967)
Niewiele filmów lub stojących za nimi ludzi mogło być tak odważnych jak In the Heat of the Night. Powieść Johna Balla o tym samym tytule była już niezwykle aktualna, opublikowana w samym centrum ruchu na rzecz praw obywatelskich, a wydana dopiero dwa lata później, wersja filmowa również była równie dobra. W rezultacie film jest jednym z najważniejszych wychodzących z lat 60., epoki, w której Hollywood oczyszczało się z archaicznej struktury moralnej.
Niezależnie od tego, czy chodziło o upał nocy, czy zgadnij, kto przyjdzie na obiad, Sidney Poitier zawsze znajdował się w centrum tych dyskusji i nie bez powodu. Jego moc i charyzma jako detektywa policyjnego Virgila Tibbsa jest fascynująca, zwłaszcza gdy konfrontuje się, werbalnie i fizycznie, ku zaskoczeniu wielu rasizmowi białej Ameryki - która, szczerze mówiąc, stanowi znaczną większość tego obrazu.
8 Blade Runner (1982)
Blade Runner Ridleya Scotta jednocześnie oszałamia i fascynuje widzów od kilku dziesięcioleci i jest nieco zrozumiałe, że początkowa reakcja na nie była tak pozytywna, jak dzisiaj. Upływ czasu przynosi nowe perspektywy, w wyniku czego nowe światło padło na egzystencjalne i filozoficzne tematy filmu oraz jego wyróżniający się smak neo-noir.
Podobnie jak wiele filmów oglądanych tutaj lub gdzie indziej w tym gatunku, Blade Runner nosi swój cynizm na rękawie, a jego słabe oświetlenie potęguje ten ton. Oświetlenie tutaj jest ciekawe, ponieważ służy więcej niż jednemu celowi. Wizja przyszłości Ridleya idealnie pasuje do postapokaliptycznej ustawy science fiction, a intensywne stosowanie światłocienia sprawia, że epicki zakres i skala filmu wydają się bardziej monolityczne, a przez to bardziej onieśmielające, uzupełniając wprawdzie nieporadny wygląd filmu, aż do materiał dotyczy. Dwuznaczność zakończenia zawiera w sobie filozoficzną wagę i jest bardziej odpowiednia dla filmu noir.
7 Laura (1944)
Często się o tym mówi, ale cyniczne spojrzenie jest warunkiem filmu noir, choć oczywiście nie tylko. Jednak dla Laury Otto Premingera nie jest tak wyraźnie - przynajmniej nie tak bardzo, jak niektórzy z jej współczesnych. Pesymizm z pewnością rozwija się wraz z postępem fabuły, kończąc się ponurym zakończeniem, jak wielu tego rodzaju. Akt otwierający jest dziwny, ponieważ bohaterowie zostają wtrąceni w trakcie śledztwa, a publiczność nie ma wiedzy o popełnionym przestępstwie.
Ponadto ton wydaje się przypominać pochwałę, co jest prawdopodobne, biorąc pod uwagę, że znaczna część narracji w tej części jest opowiadana przez retrospekcje. Ten rodzaj atmosfery wydaje się nieco sprzeczny z konwencjami gatunku, ale według wniosku Laury przekształca się w coś bardziej dobrze znanego. Laura, wyróżniająca się świetną obsadą, wyróżnia się jako jedna z wiodących klasyków tego gatunku.
6 Memento (2000)
W Memento Christophera Nolana dwuznaczność moralna omawiana wcześniej z Bezsennością rozkwita w pikach i to właśnie to sprawiło, że reżyser znalazł się w centrum uwagi. Ponadto, nasza bohaterka (Leonard Shelby Guya Pearce'a), amnezja następcza, czyni ten temat jeszcze bardziej niepokojącym. Ale choć niepokojący jest jego stan, to, że jest nierzetelnym bohaterem i narratorem, czyni tę podróż o wiele bardziej urzekającą.
Ponadto, dzięki unikalnej strukturze narracyjnej Nolana polegającej na odwracaniu teraźniejszości i chronologicznym odtwarzaniu przeszłości, publiczność otrzymuje wyraźny obraz stanu psychicznego mężczyzny. I chociaż emocjonalne otwarcie filmu może uwolnić go od jakiejkolwiek niewinności, nadal jesteśmy uzależnieni, ponieważ zdajemy sobie sprawę, że prawdziwą tajemnicą nie jest to, kto zgwałcił i zamordował jego żonę, ale raczej, jak dotarł do „finału” filmu. Jest to swoisty neo-noir, który ostrożnie rozwija głęboko zakorzeniony cynizm w trakcie zmieniającej się narracji, zamiast wyraźnie pokazywać ją za pomocą wizualizacji i / lub charakteryzacji.
Dla dociekliwych umysłów dwupłytowa edycja kolekcjonerska dla Memento oferuje widzowi opcję obejrzenia filmu w odwrotnej kolejności.
5 The Big Lebowski (1998)
To post-westernowa czarna kryminalna komedia neo-noir, która jest całkowicie mentalna - a przynajmniej byli braćmi Coen. Od czasu premiery w 1998 roku The Big Lebowski bawiło studentów college'u i osoby z zaburzeniami narkotykowymi, często zabijając te dwa ptaki jednym kamieniem. Wspomniane wcześniej specyfiki gatunku są przeoczane w większości podczas omawiania tej funkcji, ale biorąc pod uwagę, jak dobrze gracze angażują się w materiał braci Coen, można wybaczyć, że po prostu patrzysz na garść chwil.
Wiele osobowości związanych z filmami z tej listy jest uprzejmych dzięki różnym formom chłodu, które są zgodne z tradycyjnymi wyobrażeniami o męskości. To może być przeczucie, ale Koleś (Jeff Bridges) nie jest typem, który bardzo martwi się tym, jak się prezentuje. On jest po prostu Kolesiem, a to jest tak skomplikowane, jak musi być. Jednak Coens przyjemnie zobowiązują się rzucić go pośród radosnej, zaskakującej opowieści o absurdalnej fikcji.
4 Zawroty głowy (1958)
Alfred Hitchcock ma wiele słynnych filmów związanych z jego nazwiskiem, ale Vertigo jest prawdopodobnie jednym z jego największych. Film zaczyna się od uderzającego huku, gdy Scottie Ferguson (James Stewart) patrzy, jak inny policjant pada na śmierć, próbując uratować go przed powieszeniem się na półce, i chociaż film staje się bardziej psychologiczny od tego momentu, nigdy nie traci cios. Dzięki upodobaniu Hitchcocka do nieoczekiwanych zwrotów akcji i zwodniczych postaci narracja pozostaje równie napięta, jak każda z jego kompozycji.
Film Hitchcocka jest przykładem tajemnicy lub śledztwa, które odgrywają rolę drugorzędną w relacjach zbudowanych między dwiema postaciami, a to, co równie fascynujące, jak narracyjna gra Hitchcocka, to teorie dotyczące jego tematów. Wielu twierdziło, że w sposób dorozumiany, a może wprost, Vertigo przemawia do męskiej kontroli wizualnej, ponieważ odnosi się do kobiecości i męskości, a tym samym kwestionuje dominujące męskie postrzeganie obu. W takim razie Vertigo jest jak na razie filmem progresywnym.
3 Seven (1995)
David Fincher jest jednym z reżyserów, których praca jest niespokojnie wyczekiwana i nieskończona, a po niesławnym Obcym 3 naprawdę zapowiedział swoją obecność w branży wraz z Seven, znaną tajemnicą morderstwa na temat ofiar zabitych na podstawie Siedmiu Grzechów Głównych. W filmie Finchera jest wiele do świętowania; na przykład jego szorstki, bezkompromisowy pogląd na zbrodnie i genialnie niepokojące wykorzystanie idei, że najstraszniejsze nie jest to, co widzisz, ale to, co sobie wyobrażasz. Nie wspominając już o mocno uderzającym zakończeniu, pozbawionym choćby odrobiny nadziei.
Pochwała jest często wysyłana w kierunku dwóch głównych postaci, Morgana Freemana i Brada Pitta, indywidualnie, ale być może niewiele mówi się o ich partnerstwie na ekranie. Poprzez przekonujący, celowy brak chemii między nimi jako postaciami, można łatwo zidentyfikować chemię między nimi jako aktorami. Chociaż podążamy za detektywem Somerset (Freeman) i trzymamy się go za jego uważne i cicho autorytatywne maniery, nieco psychologiczna eksploracja Millsa (Pitt) staje się własną boczną opowieścią, zapewniając znaczący wpływ zakończenia.
2 The Silence of the Lambs (1991)
The Silence of the Lambs Jonathana Demme jest tutaj raczej wyjątkowym przypadkiem. Z jednej strony jest to prawdziwa kryminał, gdy stażystka FBI Clarice Starling (Jodie Foster) ściga szalonego seryjnego mordercę znanego jako Buffalo Bill (Ted Levine). Z drugiej strony ten film w równym stopniu dotyczy relacji Starling z dr Hannibalem Lecterem (Anthony Hopkins) i licznych psychologicznych gier o dominację, w które gra z nią, gdy współpracuje z jej sprawą. Pod wieloma względami dążenie Starling do Buffalo Billa wydaje się drugorzędne, podobnie jak tajemnica Jamesa Stewarta w zawrotach głowy.
A jednak scenariusz pozostaje absolutnie skoncentrowany, nawet jeśli tyle czasu poświęca się ucieczce Hannibala z więzienia. Dochodzenie może wydawać się drugorzędne w stosunku do wszystkiego innego, ale nadal jesteśmy traktowani wobec Billa i całego jego niepokojącego szaleństwa, w tym niektórych dziwnie cytowanych zdań (nie martw się, Lecter ma również swój uczciwy udział). Ponadto jesteśmy równie zaangażowani w pościg z powodu dwóch sprzecznych osobowości; w porównaniu do luźnego działa Levine'a Buffalo Billa, Lecter Hopkinsa jest bardziej wyrafinowany, jeśli czasem improwizowany.
